¿Se puede admirar un film con un discurso abiertamente racista, en el que la mayor parte de los negros son presentados como seres ociosos e ignorantes, cuando no directamente como mezquinos y delincuentes, y cuyos héroes son nada más y nada menos que los fundadores del Ku Klux Klan?
El paso de unas botas militares sobre el barro, el rancho de comida en una enorme olla, un cuchillo cortando una hogaza de pan, una cantimplora llenándose de agua, unas manos que lían un cigarrillo con los restos de varias colillas, otras escribiendo una carta de despedida o zurciendo un botón...
Desde sus orígenes, y conforme al mismo proceso lógico por el que ha dado acogida a todo fenómeno humano de calado, el cine ha volcado su mirada sobre la guerra, y lo ha hecho con multiplicidad de enfoques y perspectivas, tantos como el perfil de los creadores que han proyectado dicha mirada.
Frente de Filipinas, en el ocaso de la Segunda Guerra Mundial. El ejército japonés se bate en retirada ante el avance de las tropas norteamericanas. La agónica situación de las fuerzas niponas toma forma en la figura del soldado Tamura (Eiji Funakoshi), un combatiente enfermo de tuberculosis obligado a vagar por un territorio devastado por la violencia al no ser aceptado ni en su propio destacamento ni en el precario hospital militar de la zona.
Segundo largometraje (aquí en codirección con John G. Blystone) tras Las tres edades (también de 1923), La ley de la hospitalidad es la primera gran obra de Buster Keaton, un film de ritmo trepidante y repleto de ingeniosos gags que combinan una puesta en escena eficacísima con el habitual despliegue físico de su protagonista en muchas de sus secuencias (especialmente en la parte final de la película).
"Es a partir de elementos estáticos, de datos imaginarios y de su yuxtaposición, como nace una emoción surgida dinámicamente"
Serguei M. Eisenstein
1 de Junio de 1995. El jurado del Festival de Cannes, presidido por la actriz Jeanne Moureau, anuncia la Palma de Oro para Undeground (la segunda de Emir Kusturica, tras la obtenida con Papá está en viaje de negocios en 1989). Al día siguiente, el filósofo Alain Finkielkraut arremete en un artículo en Le Monde contra la decisión del jurado acusándole de reconocer a un “ilustrador servil lleno de estereotipos criminales y clichés”, y promocionando así “la versión más falsa, posmoderna y americanizada de la propaganda serbia filmada en Belgrado”.
Salvar al soldado Ryan no alcanza a ser una obra maestra, pero es, ante todo, una mirada sensible, valiente y muy dura sobre un tema inagotable y todavía vigente, traído a nosotros con impecable factura, dignidad y gran oficio narrativo por un hombre cuyo talento como auténtico director sólo es superado por sus abrumadores ingresos como empresario.
Admitámoslo abiertamente: dejando de lado el género de la comedia (por su natural vocación transgresora), hay grandes clásicos del cine mudo que, aun teniendo un incuestionable valor artístico, pueden provocar una digestión un tanto pesada al revisarlos un siglo después de su gestación o que requieren, cuando menos, de un ejercicio de contextualización (en cuanto a las conveniencias y normas morales de la época en que fueron creados, por ejemplo) como paso previo y necesario para su pleno disfrute.
Aunque las películas de Akira Kurosawa más prestigiosas parecen seguir siendo Vivir (1952), Los siete samuráis (1954) y Dersu Uzala (1975), no somos pocos los que, por encima de ellas, preferimos Trono de sangre, cuya traducción precisa al español sería El castillo de la telaraña.